Les règles d'une composition d'image

Le montage est une science qui s'apprend, il ne suffit pas de bien manipuler son clavier pour faire du montage.

Il y a de nombreuses règles à respecter surtout au moment du tournage, on doit respecter quelques conseils pour réaliser ses images.
Sans images raccordables, il sera difficile de raconter une histoire.
De même qu'un mauvais monteur peut détruire un film par son manque d'expérience des raccords, le manque de rythme, d'idées pour contourner les problèmes de tournage etc...

Le montage est la science de raconter une histoire.

Chaque monteur a sa propre sensibilité, faisant de lui le premier téléspectateur, ainsi il apportera au réalisateur un nouvel angle de vision de l'histoire, en apportant son point de vue et apporter une autre manière de raconter suivant son style de montage.

Le réalisateur doit choisir un monteur qui à la même sensibilité que lui sinon le film peut aller à la dérive sur des mauvaises compréhensions de la part du monteur.
Voici un article sur les différents raccords cinéma qui existent : Cinéaste et cinéma, Montage: raccords et notions cinématographiques de base

"Le sens de mes films vient toujours au montage, quoi qu'il arrive"
(Les Cahiers du Cinéma n°557, mai 2001, Jean-Luc Godard)

1. Règles de tournage :

Il est important lors d'un tournage de respecter certaines règles qui faciliteront le montage par la suite, quel monteur ne s'est pas arraché la tête pour essayer de raconter une histoire mais il lui manque des plans de coupes ou de présentations de la scène.

Vous découvrez une scène, n'oubliez pas d'en faire un plan large pour que les gens sachent où ils se trouvent, ensuite les détails, les différents intervenants et ne pas oublier bien sûr les personnages principaux. Et ce n'est pas comme un tournage de match de football, il faut savoir ne plus suivre le ballon et aller voir ce qui se passe autour pour apporter à l'histoire des compléments d'actions.

Un montage c'est un peu comme une récitation, il faut présenter : une introduction, ensuite développer l'histoire et ne pas oublier la conclusion du film.

1.1 Règle des 180 degrés :

Vous devez essayer de respecter la fameuse règle des 180 degrés qui donne la perception de l'espace, c'est à dire lorsque vous filmez un personnage dans un axe, pensez à faire un raccord dans le même axe pour le raccord suivant.... sinon vous serez pas raccord et le spectateur aura une impression que les plans n'appartiennent pas à la même scène.
Voilà un schéma qui explique clairement ce qu'il faut respecter.

Si vous voulez passer du côté rouge, pensez à intercaler un plan large pour bien situer la scène ou alors de faire un travelling pour changer d'axe.

1.2 La règle des tiers :

Penser toujours à laisser de l'air face au regard d'un personnage pour donner l'impression d'une profondeur à l'image, une image mal cadrée est néfaste pour les cinéphiles et donne l'impression d'un travail bâclé sauf dans le cas des clips vidéos où l'on peut jouer sur des compositions pour donner une certaine originalité....

Sur l'image ci-dessus le regard nous amène vers l'extérieur, ce qui donne une profondeur à l'image. Si par contre on avait placé le bord gauche du cadre près des yeux cela aurait nuit à l'image sans amener cette profondeur.

Ceci nous amène à la règle des tiers d'une image. Elle consiste à placer les éléments clefs de l'image sur les lignes qui séparent les tiers verticaux et horizontaux, voire sur les intersections entre ces lignes.

Les 4 points forts se situent à l'intersection des lignes rouges de la photo ci-dessous:

Ici l'arbre a été placé sur un point fort de l'image et l'horizon à été posé sur le premier tiers supérieur de l'image, la même photo avec un horizon au centre aurait donné un effet moins fort sur ce paysage.

Une image composée selon la règle des trois tiers est supposée être plus dynamique et donne plus d'espace au regard pour vagabonder.

Une fois ces principes appliqués au tournage, on passe au montage qui lui aussi doit respecter des règles de conduite. Ces deux règles ne sont pas les seules, mais nous verrons d'autres règles dans les paragraphes qui suivent.

2. Le montage et son rythme :

2.1 Les raccords de mouvement ou de regard :

Lors d'un montage d'une scène, il est important de respecter les raccords de mouvement, c'est à dire si une personne sort du plan vers la gauche en plan large, il sera judicieux (si le personnage doit rentrer dans le champ sur le plan suivant) de la faire ré-entrer par la droite. En résumé, toujours raccorder sur le plan suivant avec une entrée opposée à la sortie.

Pour les panoramiques, il est plus facile de raccorder deux plans qui s'enchainent dans les mêmes mouvements de caméra.

Pour les raccords de regards, lorsque vous tournez, vous n'oublierez jamais d'opposer le regard entre deux personnage qui se regardent sinon ils ne se regardent pas. Pour le montage c'est pareil, il faut penser aux raccords du regard, la direction du regard doit raccorder subjectivement avec le plan suivant.

Citizen Kane d'Orson Wells

Si un acteur se tourne dans une direction pour regarder, il sera plus aisé de raccorder ce sur quoi il regarde, et ce, dans l'axe de son regard, en respectant l'inclinaison du regard (plongée subjective par exemple). Ceci permet de lier les deux plans entre eux (sinon on aura l'impression que ce sont des scènes parallèles).
Voici un blog 'Aimons le cinéma " avec quelques analyses filmiques intéressantes. Sur cette page, on décortique et analyse une séquence du film "Die Hard".

2.2 Le rythme du montage :

Souvent lorsque l'on voit un film d'action, les scènes d'action sont montées à un rythme soutenu et, au contraire, un film d'amour sera beaucoup plus posé, beaucoup plus lent. Mais le rythme d'un film doit être respecté avec un enchainement de séquences qui doivent être accélérées ou ralenties suivant les moments du film.

Il est important de savoir doser ces moments et de relancer le rythme d'un film en accélérant son montage pour redonner goût aux téléspectateurs. Bien sûr, un film de 2 heures aura un enchainement de séquences différentes, avec temps calmes et des temps forts.
Tandis que pour un clip vidéo de 3 minutes ou un trailer , on essaiera d'attirer le spectateur à le regarder avec du rythme et du suspens. Même les films dits romantiques ont des bandes annonces dynamiques...
Pour aller plus loin, voici un excellent livre sur les raccords aux montages : Les raccords au cinéma.

3. L'étalonnage et la bande son :

Ensuite, pour finir son film, il est important d'en harmoniser les teintes de l'image c'est ce que l'on appelle l'étalonnage des plans.
Cette opération est indispensable pour avoir un côté professionnel et ne pas déranger le spectateur avec des images rouges et vertes ensembles. Voir les outils d'étalonnage sous FCPX.
Il existe peu de logiciel d'étalonnage pro mais de nombreux logiciel permettent de faire de l'étalonnage :
Les pros : Da Vinci Resolve, Da Vinci Resolve Lite (gratuit), Color 1.5 d'Apple. Les logiciels pour étalonner : Final Cut Pro, After Effects, Motion, Première, Avid...pour ne citer que les plus important dans le milieu professionnel.

C'est pareil pour le son, le son c'est 50% du film, une bande sonore mauvaise peut tuer votre film.

Pensez à uniformiser vos sons d'un plan à l'autre pour éviter ce que l'on appelle des "cuts" de son. A chaque fin, pensez à poser des fondus, n'oubliez pas de laisser des "splits" son sur vos plans pour le mixage.

Cette opération n'est pas obligatoire lors d'un export XML ou OMF car on a accès directement aux rushes via la timeline (pour que le mixeur puisse rajouter du son quand il faut). Pour le mixage, tous les logiciels de montage peuvent réaliser un mixage mais les plus important sont Protools d'Avid, Soundtrack Pro d'Apple, Logic Pro d'Apple etc.... Voir Sauver les presets audio sous FCPX.

4. Conclusion :

Le plus important dans un montage est de savoir amener le spectateur à se poser sur votre film ou documentaire. C'est à dire qu'il faut l'amener à entrer dans l'histoire, le faire rêver. Ainsi, il est important lors de la préparation de votre film (synopsis) de trouver des angles de vue d'approche du scénario pour l’intéressé et, ensuite, avec le montage, de mettre en valeur ce scénario.

Le travail d'un monteur nécessite de nombreuses compétences tant technique (maitrise des formats, maitrise du signal vidéo, connaissance des logiciels...) que artistique (langage cinématographique, goûts artistiques, etc...) et il est regrettable aujourd'hui que le métier d'assistant monteur tente à disparaître car il est de plus en plus difficile de se former sur tous ces aspects. Aujourd'hui, de nombreux monteurs vidéo ne connaissent même pas ce qu'est la parité trame ou les normes de diffusion d'un PAD pour une chaine de TV.

Un des exemples les plus flagrants que j'ai pu rencontrer : un producteur pour qui je devais monter un documentaire m'a dit : "tiens on a digitalisé tous les rushes ça va aller vite il suffit de monter...." c'était un documentaire de 52 minutes avec presque 40 heures de rushes et interviews mais, pour lui, on avait pas besoin de dérusher vu que tout le matériel était dans la machine. Total, on avait 10 jours pour monter le doc et on a passé 4 jours à dérusher... impensable mais réel de nos jours.
Alors qu'avant un montage de 52 minutes pouvait prendre quelques mois (bon d'accord on avait pas les machines d'aujourd'hui mais quand même), il faut compter au minimum 3 semaines de travail pour arriver à tirer partie des images et trouver le bon angle d'attaque du film. En effet, sur le papier ou synopsis, il y a des interviews qui doivent être placés là, d'autres ici, mais lors du dérushage on peut se rendre compte de certaines faiblesses et que l'inverse serait meilleur pour dynamiser l'ensemble.
Voilà pour mon expérience....

Ces quelques règles vous amèneront à de meilleurs résultats et, pour commencer, avant de les contourner comme certains grands cinéastes, mettez les en pratique.

Et n'oubliez pas : le plus bel effet est un cut réussi...